Публичное искусство. Наиля Аллахвердиева: «Паблик-арт — это перепланировка реальности

Жизнь никогда не стоит на месте. Она всегда изменчива, подвижна и стремительна, всё в ней то пропадает, то появляется вновь, и самым неожиданным образом.

Лорен Айзли i

На Венецианской биеннале 1986 года Кшиштоф Водичко в течение нескольких часов проецировал на основание 600‑летней колокольни на площади Сан-Марко фотоколлаж, изображающий 35‑мм камеру, солдатский ремень с прикреплённой гранатой и прочее военное снаряжение. Помимо критики туризма и политики, проект Водичко выражал мощную диалектику амбивалентных потребностей в стабильности и сохранности и, с другой стороны, в изменении и временности. Для доказательства этих положений ему потребовались и постоянство колокольни, и эфемерность луча проектора. Именно изменчивым вещам и посвящён паблик-арт; общественная жизнь олицетворяет такие противоречия.

Аниш Капур. Облачные врата («Боб»), 2004

Отполированная нержавеющая сталь. Миллениум-Парк в Чикаго, США

Фотография: Orla Schantz

Публичное и личное

Конец ХХ века заострил проблемы времени и ожидания, изменения и ценности. Это был быстрый, восприимчивый и уступчивый век, когда постоянство объектов стало столь же далёким от реальности, как и само время. Самое важное — то, чего жаждут и от чего зависят, что переходит из поколения в поколение, — теперь больше не передаётся одними и теми же символами. Визуальное окружение столь же подвижно, как работа сознания или зрительное восприятие. Как в частной, так и в общественной жизни феноменологические аспекты неопределённости, перемен и временного нуждаются в интенсивном усвоении, не потому, что это неумолимые, неизбежные силы, но потому, что они позволяют развиваться новым идеям и новым свободам.

Чтобы понимать временное, не нужно безрассудного принятия абсолютной относительности, важные уроки и основополагающие идеи можно обнаружить и в синапсах (элементы, осуществляющие передачу нервного импульса между клетками. — Прим. пер. ), альтернативах, возникающих между ними и концептуально связывающих отдельные явления. Реальность эфемерности, пожалуй, наиболее убедительно и точно ощущается в широте общественного пейзажа. В частном можно найти тихое убежище и некоторое постоянство рутины, а общественная жизнь символизирует не то, в чём участвует весь электорат, но, скорее, постоянные изменения, составляющие и обогащающие его. Общественная жизнь поразительно предсказуема и в то же время постоянно удивляет нас.

«Частное» является условием существования человека, а «публичное» искусственно создано и воссоздаётся каждым поколением. В исторической перспективе всегда и в большинстве социумов обнаруживается общественная жизнь, но сама идея публичного гибка и изменчива

Как считает Ричард Сеннет i и другие авторы, частное является условием существования человека, а публичное искусственно создано и воссоздаётся каждым поколением. В исторической перспективе всегда и в большинстве обществ обнаруживается общественная жизнь, но сама идея публичного — гибка и изменчива. Понятие публичного, наверное, является наиболее идеалистической идеей, встречающейся в современной культуре. Она переопределяется не только в процессе корректив, вносимых политическим и общественным развитием, но и представлениями о частном, которые служат её фоном, её дополнением и в конечном счёте основой. Задача каждого человека — поддерживать это динамическое взаимодействие личного и публичного, принимая воодушевляющую и всегда сложную природу этого важного диалога, будучи настолько же глубоко вовлечённым во внешний мир, насколько и в свой собственный внутренний мир.

Клас Олденбург. Batcolumn («Колонна-бита»), 1977

Окрашенная нержавеющая сталь, Чикаго, США

Фотография: Orla Schantz

Временное — экспериментальное

Подобные размышления о «публичном» часто сопровождают нынешний энтузиазм по поводу паблик-арта, захвативший большинство городов в Соединённых Штатах. Это как если бы авторы исследований по истории общественного развития и люди, заинтересованные в создании паблик-арта, были бы далеки друг от друга, действовали бы спонтанно и не подозревали о существовании друг друга. Дискуссии, посвящённые паблик-арту, часто имеют отношение к конкретным сообществам, но редко затрагивают паблик-арт в целом. Как кажется, существует скрытое допущение, что все знают, что значит «публичное», и интерес направляется на более очевидные и поддающиеся описанию проблемы. Много сказано о неудачах и успехах паблик-арта, но очень мало о философских проблемах, которые паблик-арт может поставить или прояснить, или даже о том, требует ли вообще идея паблик-арта тщательного интеллектуального исследования и обоснования. Я думаю, проблема в том, что паблик-арт стремились определить без учёта всех данных, не принимая во внимание тот сложный комплекс проблем, который он должен принять и может выразить. Паблик-арт слишком часто используется в качестве умеренного противоядия или великого решения, но при этом редко воспринимается как форум для исследования, сопоставлений и конструктивного пересмотра. Хотя паблик-арт — это исследовательская стадия, его рассматривают, как если бы он был способом производства базовых стратегий и принципов.

Возможный способ для художников и институций продолжить создавать паблик-арт, сохраняя его аналитические задачи и структуру, отличая (или не отличая) его от других творческих предприятий — это поддерживать более краткосрочные эксперименты, где элементы могут меняться, а результаты разумно и точно оцениваться. Создание паблик-арта требует более страстной приверженности временному — информации, взятой из краткосрочных проектов. Этот план предлагается не в пику постоянному паблик-арту и не из безразличия к нему, скорее, это поддержка альтернатив. Временное — это не только определённая философская валюта, оно позволяет художественному производству моделировать идею научно-исследовательской лаборатории. Такой план консервативен: это предложение отвести себе время на изучение, реализацию менее масштабных проектов, попробовать выразить то, что известно о современных условиях. Работа требует понимания значимости в большей степени идей и содержания, нежели устойчивых форм; гибкости процедур создания и размещения этих произведений, более внимательного критического подхода.

Клас Олденбург, Кози ван Брюгген. Воланчики, 1994

Окрашенная нержавеющая сталь. Парк скульптур Музея искусств Нельсона-Аткина, Канзас-Сити, США

Фотография: Orla Schantz

Искусство как манифест

В своей книге о геологическом времени «Круговорот времени, стрела времени» i Стивен Джей Гулд исследует двойственную природу времени в западной мысли: темпоральность переживается и циклично, и линейно. Западный ум опирается на представления о времени, объясняющие как стабильность постоянства и непрерывности, так и стимулирующую силу прогресса и перемен. «Публичное» формируется аналогичными случайными и противоречивыми идеями. Люди всегда приходят на ежегодные публичные мероприятия, даже если они кажутся им пустыми и повторяющимися; всё же они дают стабильную точку отсчёта. Но публичная жизнь должна приспособиться и к прогрессу, ведь от этого зависит укрепление демократических ценностей и улучшение жизни. Линейность позволяет общественности объединять усилия, направленные на совершенствование и пересмотр существующего. Эти противоположные концепции временности неразрывно связаны с публичной жизнью — с ожиданиями, управляющими действиями, с событиями и явлениями, постоянно определяющими и трансформирующими опыт. И эти мощные, проблемные идеи заключаются в том, что искусство традиционно обращается к публике посредством своих формальных и темпоральных проявлений. Паблик-арт в этом подобен другим видам искусства, но он потенциально богаче, благодаря множеству содержащихся в нём философских, политических и гражданских проблем. Ему не нужно искать какой‑то общий знаменатель или выражать некое общественное благо, чтобы быть публичным, но он может дать визуальный язык для выражения и исследования динамических, временных условий существования коллектива.

Очевидно, паблик-арт является публичным искусством не только потому, что его произведения выставляются на улицах или в других городских пространствах, или потому, что его почти все могут понять и оценить; это искусство публичное, потому что является манифестацией творческой деятельности и стратегий, принимающих идею «публичного» как начало и как свой предмет исследования. Это искусство публичное из‑за тех проблем, которые оно ставит или к которым обращается, но не потому, что эти проблемы доступны или привлекут много зрителей. Конечно, это намного сложнее, и неясные определения паблик-арта, а также методы и задачи его создания и критики — менее предсказуемы, менее правильны. Это требует приверженности к экспериментам, к убеждению, что паблик-арт и публичная (общественная) жизнь не непреложны. Есть много переменных, время, возможно, является наиболее важной, но пока к нему обращались достаточно редко.

Если «публичное» в паблик-арте понимать не как аудиторию, на которую рассчитано это искусство, но как основу идей и сюжетов, которые выбирает художник, тогда паблик-арт невозможно исследовать из‑за его коммуникативной свободы, массовости восприятия, зависимости от размещения. Временные произведения паблик-арта не обязательно несут широкие воззвания, они могут смешивать противоречия и страсти, могут запутать, они могут оказываться в необычных, маргинальных и приватных пространствах. В таком искусстве концептуальное доминирует над очевидными подробностями.

Генри Мур. Трёхходовая деталь № 2 («Лучник»), 1965

Бронза. Торонто, Канада

Фотография: Orla Schantz

Общественное место

Паблик-арт связан с представлением об общественном месте (the commons), являющемся и физической структурой и ментальным ландшафтом публичной жизни в Америке. Эти общественные места часто бывали спланированными, а иногда спонтанно организованными открытыми пространствами в американских городах. Их непреходящее значение в истории культуры определяется не столько самим местом, которое они когда‑то занимали в структуре города, сколько идеей, которой они стали в воплощении и поддержании общественной жизни, в её динамичных, часто противоречивых проявлениях. Если фактическое расположение общественного места поддерживало у людей ощущение некоторого постоянства, время суток и время года определяли деятельность и приоритеты, реализуемые в этом пространстве. В периоды войн и конфликтов общественные места использовались для подготовки и тренировок народного ополчения, весной и летом, открытые зелёные пространства становились ещё одним лугом для выпаса скота, во время политических выборов или гражданских дебатов они превращались в место для речей, обсуждения проблем, то есть в пространство особого мнения. Общественные места были сценой, где шли представления и создавались различные интерпретации предсказуемого и в то же время неожиданного театра публичной жизни. Это было физическое и психическое пространство, где манифестом было изменение. Своего рода обсуждение, драма и развёртывание времени, определяющие «публичное», происходили наиболее ярко и живо в общественных местах, они не были местами покоя или неизменности.

Тем, кто отвечает за поддержку и производство современного паблик-арта, не мешало бы следить за реальной жизнью общественных мест, с их слаженными, мифически неверными интерпретациями. Общественные места существовали, чтобы поддерживать взаимодействие личных интересов, составляющих основу любого сообщества, чтобы формировать и удерживать значимость диалектики перехода от общей цели к свободным частным волеизъявлениям. Именно в этом пространстве можно лучше всего понять представление о времени и его связях с широкой публикой. Философская идея общественного места основана на представлении об инакомыслии, развитии, о сложном, но принятом решении, это наследие по‑прежнему актуально, даже если сами общественные места и память о них сходят на нет.

Марианн Йоргенсен. Водяной занавес, 2009

Ежегодная выставка «Скульптуры у моря», Орхус, Дания

Фотография: Orla Schantz

Creative time

В Нью-Йорке есть две организации, чьей главной задачей является поддержка и стимулирование производства временного, недолговечного паблик-арта. Ирония в устойчивой институциональной поддержке весьма мимолётных предприятий очевидна, но эстетические результаты часто свидетельствуют об исключительной ситуации. Это разнообразие произведений фактически бросает вызов институционализации паблик-арта, а все ли работы, спонсировавшиеся ими, хороши, или не очень, насколько они контактны, — не важно. Они попытались культивировать удивительное пространство экспериментов. Они берут идею общественных мест в разных сообществах; перемещения усиливают и дают свежее представление об «общественном месте» как символе, если не пространстве публичной жизни. В отличие от этих организаций есть художники, работающие независимо друг от друга, создающие публичное искусство, часто неожиданное, нечасто попадающееся и намеренно недолговечное. Именно благодаря многим из этих произведений идея паблик-арта становится более последовательной и чётко очерченной.

В начале 1970‑х корпорация «Криэйтив Тайм» (Creative Time) стала организовывать производство паблик-арта. Начали с традиционных пространств (с избытком предлагаемых городскими властями) — неиспользуемых объектов недвижимости. Первой площадкой стала Уолл-стрит Плаза. Вестибюль площадью в 6000 квадратных футов был предоставлен компанией «Ориент Оверсиз Ассошиэйтс». В период с 1974 по 1978 год в этом огромном пространстве было установлено четыре экспериментальные работы i . Широчайший резонанс, пожалуй, получила работа Реда Грумса Ruckus Manhattan. Грумс, работая с большим количеством помощников более семи месяцев, придумал и построил аллегорически насыщенное визуальное повествование о Манхэттене. Истории прохожих, посетивших площадку, часто преображались и вписывались в разрастающийся проект Грумса.

Самый продолжительный проект Creative Time — сущеcтвующее с 1978 года «Искусство на пляже». На огромной свалке в северной части Бэттери-Парк-сити были организованы совместные паблик-арт проекты с участием художников, архитекторов, танцоров, хореографов, музыкантов и людей других творческих профессий. Проекты создавались в начале лета, в течение всего сезона были предусмотрены перформансы, к осени вся феерия исчезала. В 1987 году, когда «Искусство на пляже» утратило эти песчаные просторы на Манхэттене, Creative Time перенесла свои летние мероприятия на другую, более неприглядную свалку, предоставленную портовым руководством в Хантерс Пойнт в Квинсе.

Что, пожалуй, наиболее важно и больше всего запоминается в связи с проектом «Искусство на пляже», да и другими, спонсируемыми Creative Time работами паблик-арта, — так это их временный характер и возможность (и необходимость) экспериментировать, которую они давали художникам. Каждый год структура «Искусства на пляже» менялась, одно появлялось, другое исчезало. Так проект стал постоянной лабораторией по изучению сотрудничества в эстетическом производстве недолговременных работ. Иногда Creative Time собирала творческие команды, в иные годы сами художники выбирали своих коллег. Но это ежегодное ожидание, недолговечность и динамичность каждого «Искусства на пляже» сделало возможным и поддерживало сам способ продуктивного времяпрепровождения.

Клас Олденбург. Прищепка, 1976

Окрашенная нержавеющая сталь. Филадельфия, США

Фотография: Orla Schantz

Public Art Fund, Inc

Хотя спонсируемые ею произведения отличаются от работ, поддерживаемых Creative Time, корпорация «Паблик-арт фонд» (Public Art Fund, Inc.), основанная в 1972 году, сосредоточена на временном размещении произведений паблик-арта в самых разных городских кварталах и контекстах. Эти места — общепринятые публичные пространства парков и площадей. Проекты Public Art Fund приходят сюда и уходят, искусство становится динамической переменной в серии иногда предсказуемых, иногда необычных городских декораций. Один из наиболее интересных проектов, спонсировавшихся этой организацией — серия «Сообщения общественности» (Messages to the Public). Начатый в 1982 году, проект предоставил в распоряжение художников Spectacolor — большой лайтборд для компьютерной анимации на северной стороне здания на Таймс-сквер. Художники могли демонcтрировать там короткую программу (обычно на двадцать секунд), которая показывалась приблизительно раз в двадцать минут. Вставленные между вульгарной и агрессивной рекламой, эти моменты не только создали удивительно открытый форум для публичных высказываний художников, но и поставили проблемы отношения паблик-арта и информации, стимулировали противоречивые размышления об искусстве и рекламе. Некоторые из работ на Spectacolor демонстрируют преднамеренную неоднозначность моментов искусства и рекламы, эстетическо-политической программы и впаривания товаров и услуг потребителю.

Проекции на Spectacolor, созданные художниками, — временные и нерегулярные, само средство трансляции требует эфемерности. Презентация новой информации должна быть постоянной, баланс изменения и повторов должен быть тщательно продуман. Кроме того, восприятие и переживание аудитории нерегулируемы: есть некоторые энтузиасты паблик-арта, которые следят за этими меняющимися сообщениями, но большинство зрителей неподготовлены и случайно оказались в этом месте. «Messages» часто поступают общественности, не знакомой с Public Art Fund, с художниками, участвующими в этом проекте, или с этим странным сближением художественных образов и рекламы. Именно такая нерегулируемая встреча с искусством и неоднозначность его структуры и содержания делают эту серию насыщенной, сложной и пока ещё должным образом не проанализированной как способ высказывания.

Пейзаж паблик-арта в Нью-Йорке был бы неполным без таких своего рода эфемерных постановок и важной информации, произведённой этими двумя организациями. Но что важно в связи и с Creative Time, и Public Art Fund, так это не просто разнообразие художественных высказываний, которые они вынесли на улицы города, но само то пространство дискуссии, которое они создали для исследования значения паблик-арта в конце ХХ века. Поскольку эти работы были частью городского устройства в течение короткого времени, тут была свобода опробовать новые идеи, новые формы, новые способы производства. Здесь есть, возможно, и готовность к вовлечению сложных идей и актуальных проблем, причём таким способом, который не работает в более долгосрочных проектах. Крайне сжатые сроки — это не только стимул, но и ответственность быть смелым в идеях, авангардным в определениях паблик-арта, заботиться о содержании произведения, а не его долговечности.

Энтони Гормли. Квантовое облако ХХ («Торнадо»), 2000

Стальные профили. Центр скульптуры Нашер в Далласе, США

Фотография: Orla Schantz

Финкельперл и Джаар

Некоторые из наиболее эффектных и провокационных временных инсталляций паблик-арта были созданы художниками по собственной инициативе как с поддержкой или ограничениями со стороны официальных спонсоров, так и без них. Том Финкельперл сделал несколько краткосрочных паблик-арт проектов с Creative Time, несколько с Public Art Fund, но некоторые из его сильных публичных высказываний сделаны независимо. Несколько лет назад он переехал в Нью-Йорк, чтобы исследовать распространённый и растущий феномен одиночества в большом городе. Финкельперл начал собственный партизанский проект изучения и, возможно, повышения общественной осведомлённости в отношении и сущности процесса устаревания. В различных местах он находит старые брошенные автомобили и тщательно разрисовывает их ржавые остовы золотом, наделяя их искусственной, ироничной патиной драгоценности. Его проекты начинаются спонтанно и длятся до тех пор, пока машины, наконец, не увозят. Это как если бы сам акт публичного художественного высказывания, интерес к общению, жест сострадания и критики преодолевали бы временные качества объекта. То, что эти золотые обломки исчезают, часто быстро и всегда непредсказуемо, усиливает их выразительный потенциал.

Несколько лет назад Альфредо Джаар договорился с транспортным управлением штата Нью-Йорк и владельцами рекламных площадей на платформе метро «Спринг-стрит» о том, чтобы разместить там свои инсталляции. Чуть более месяца постеры Джаара — с образами золотой лихорадки, происходящей в Бразилии на фоне крайней нищеты, — заменяли обычную рекламу, нацеленную на то, чтобы заставить людей расстаться со своими деньгами. Вдоль платформ Джаар разместил большие отпечатки своих фотографий; за время инсталляционного периода он регулярно обновлял изображения, вставляя также постеры с текущими мировыми ценами на золото в Нью-Йорке, Франкфурте, Токио и Лондоне. На этой линии метро, ведущей на Уолл-стрит, пассажиры столкнулись с мрачными, грубыми изображениями людей, добывающих золото с небольшой надеждой найти хоть что‑то и для себя. Художник не сопроводил эти фотографии пояснительным или дидактическим текстом, общественность сама должна была сформировать мнение и сделать собственные выводы. Но успех этого политического произведения заключался в чувстве актуальности и смещении, воплощённом во временном. В контексте, созданном для продажи журналов, алкогольных напитков и нижнего белья ожидающим поезд пассажирам, Джаар использовал рамки и формат рекламы для вовлечения публики в сложный и тревожный рассказ о её собственном соучастии в мировых событиях. Его проект призывал людей преодолеть их замкнутость и изолированность. Содержание подчеркивалось прямотой и краткостью инсталляционной формы. То, что она появилась практически спонтанно и быстро исчезла, помогло подчеркнуть актуальность её идей.

Конкретное и сиюминутное

В паблик-арте есть очевидная опасность, состоящая в том, что это искусство базируется на достаточно наивных установках. Некоторые из ограничений, касающихся возможностей паблик-арта, связаны с тем, где должны появляться его объекты, кто его аудитория, какие проблемы он может поставить, какие идеи может выразить, и как долго должен существовать. Большинство этих размышлений основаны на информации и впечатлениях, сформированных более века назад. Но исторические прецеденты публичного искусства не дают шаблона ни для настоящего, ни для будущего. Паблик-арт не должен длиться вечно, он не должен посвящать свои высказывания неким безошибочным, но банальным темам, чтобы быть понятным абсолютно всем; ему не нужно обозначать или создавать общие основания. Поскольку структура и контексты общественной жизни с годами меняются, паблик-арт должен стремиться к новым формулировкам и к новым надеждам. Он должен полагаться на свою гибкость, приспособляемость, быть чутким и своевременным, быть определённым и временным. Преходящий паблик-арт обеспечивает непрерывность анализа условий и изменяющихся форм общественной жизни без того, чтобы погружаться в застой, требуемый для трансляции вечных ценностей для широкой аудитории с разным жизненным опытом, обладающей часто различными возможностями воображения.

Ошибки большинства произведений паблик-арта заключались в недостатке конкретики, в стремлении смотреть на общество, на «публичное» слишком широко и просто. Встреча с паблик-артом — это личный опыт, но восприятие длится дольше, чем реальное переживание

Ошибки большинства произведений паблик-арта заключались в недостатке конкретики, в стремлении смотреть на общество — на «публичное» — слишком широко и просто. Временное в паблик-арте не связано с отсутствием обязательств или вовлечением, но касается укрепления и разработки самой концепции «публичного». Широкая публика разнообразна, изменчива, подвижна, противоречива, и она ведёт своё происхождение из личной жизни всех граждан. Встреча с паблик-артом в конечном счёте это личный опыт, но восприятие длится дольше, чем реальное переживание. Именно эти многообразные неопределённости должны составить предмет паблик-арта, «временное» обеспечивает гибкое, подвижное, критическое средство для изучения отношений между непреходящими ценностями и текущими событиями, чтобы воплотить идею общественных мест в нашей собственной жизни. Концептуализация понятия времени в паблик-арте является необходимым условием публичной жизни, которая делает возможным вдохновлённые им изменения.

Перевод Дарьи Барышниковой, 2012

Перевод осуществлён по изданию Critical Issues in Public Art: Content, Context, and Controversy, Harriet Senie and Sally Webster, 1998

Be In Trend сделал подборку 10 самых известных и ярких примеров паблик-арта – современного искусства в публичном городском пространстве по всему миру. Что вдохновляет жителей разных стран на улицах их городов? Возле чего обязательно фотографируются туристы?

Во многих странах мира одним из главных акцентов политики государства по отношению к городу становится активное облагораживание его публичного пространства, создание его максимально интересным и приспособленным для жителей и гостей.

Паблик-арт - это искусство в городской среде, ориентированное на неподготовленного зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством. Это могут быть скульптуры, инсталляции, объекты, но главным условием остается – они должны размещаться на улицах города и взаимодействовать с окружающим пространством, интересно и по-новому обыгрывая его.

Аниш Капур

Работы одного из известнейших художников современности Аниша Капура потрясают своей простотой и в то же время необычностью и монументальностью. На площади AT&T Плаза в Миллениум-парке в Чикаго расположена его большая скульптура “Cloud Gate” (“Облачные врата”), в народе получившая прозвище «боб» за свою бобообразную форму. Скульптура состоит из 168 листов нержавеющей стали, отполированных настолько, что её внешняя поверхность не имеет видимых швов. Считается, что образ скульптуры был навеян видом капли ртути.

А осенью 2006 другая зеркальная скульптура, названная “Sky Mirror” (“Снежное зеркало”), была показана в Рокфеллеровском центре в Нью-Йорке. Такие зеркальные скульптуры очень интересно взаимодействуют с городским пространством, причудливо отражая окружающую среду.

Жауме Пленса

На площади канадского города Калгари размещена огромная скульптура известного испанского современного художника Жауме Пленсы. Скульптура под названием “Wonderland” имеет 12 метров в высоту. В ней есть два входа, так что все желающие могут зайти внутрь скульптуры и прогуляться там. Сам Пленса комментирует свою работу следующим образом: “Создавая “Wonderland”, я хотел вдохновлять каждого, так как я верю: архитектура наших тел – это дом для наших мечтаний”.

Роберт Индиана

Самая известная работа американского художника, яркого представителя движения поп-арт Роберта Индиана - изображение английского слова LOVE (любовь), написанного прописными буквами с повернутой буквой O. Изначально это была живописная работа, но со временем она появлялась в различных формах, включая скульптуру и почтовые марки, а также в виде объектов, установленных во многих городах мира. На фотографии нью-йоркский вариант работы Роберта Индиана.

Марк Куинн

В прошлом году в Сингапуре установили невероятную скульптуру – очень больших размеров ребенок буквально повис в воздухе. Скульптура британского художника и скульптура Марка Куинна носит название “Planet” и украшает сейчас сингапурский парк Gardens by the Bay. На создание этой работы Куинна вдохновил его маленький сын. Размер скульптуры составляет десяти метров, а вес – до семи тонн. Удивительный эффект будто скульптура держится на одной руке и висит в воздухе была достигнута с помощью едва заметных подпорок. Так как Сингапур сейчас активно развивается, эта скульптура символизирует рождение нового мира, новой истории этого города-государства.

Kurt Perschke

Художник Курт Першке (Kurt Perschke) придумал проекта RedBall Project и путешествует по миру с огромным надувным красным шаром. Приезжая в новое место, художник первым делом находит подходящее место в городском пространстве, где он мог бы поместить свою мобильную инсталляцию. Места для инсталляции могут быть самыми необычными– между домами на узкой городской улочке, в воротах или арке, на месте входа в здание, между отдельно стоящими балками и прочими объектами, а также внутри помещений…

Lang-Baumann

Швейцарско-американский дуэт художников Lang-Baumann, в который входят Даниель Бауманн и Сабина Ланг, создают удивительные site-specific инсталляции. Обычно Lang-Baumann работают с цветом, разукрашивая улицы в разные цветовые комбинации. Эта цветная улица была создана в небольшом городке Веркорин в Швейцарии.

Konstantin Dimopoulos

Художник Konstantin Dimopoulos известен своими работами, в которых он обращает внимание зрителя на сокращение лесов в мире. Делает Dimopoulos это с помощью безвредной краски зачастую синего цвета – он разукрашивает стволы деревьев, таким образом делая заметным то, на что часто люди не обращают внимание в больших городах. Проект называется “Blue Trees”, и в 2012 году он был осуществлен на улицах одного из крупнейших городов США – Сиэтле.

Jody Xiong

Художник и дизайнер Jody Xiong из Шанхая реализовал интересный арт-проект “Green Pedestrian Crossing”, посвященный природе, экологии и защите окружающей среды. Проект построен таким образом, что демонстрирует преимущество ходьбы пешком над использованием автомобилей и общественного транспорта. На проезжей части на месте пешеходного перехода художник разложил большое полотно, на котором нарисовано дерево без листьев. Перед тем как перейти дорогу пешеходы пачкали подошвы обуви в зеленой краске, которая разлита на коврике перед переходом. Таким образом постепенно дерево “покрывалось листвой” – каждый пешеход привносил часть изменений в арт-проект. “Green Pedestrian Crossing” увидел свет в Шанхае, и еще на 132 пешеходных переходах 15 китайских городов. Над ним работали специалисты из Китайского Общества по защите окружающей среды (China Environmental Protection Foundation) и художники шанхайской арт-группы DDB China.

Флорентин Хофман

В течении 5 лет эта гигантская утка находилась в кругосветном плавании. Надувная резиновая утка высотой 16,5 метра является произведением голландского художника Флорентина Хофмана. Утка плавала по всему миру с 2007 года и посетила 13 разных городов в 9 странах мира, от Бразилии до Австралии. С помощью такого паблик-арта Хофман хотел обратить внимание людей на мир, что нас окружает: “Не принимайте жизнь и окружающую вас среду такой, какая она есть. Каждый день идя на работу по одной и той же дороге, замедлите шаг и оглянитесь вокруг – вы найдете много чего интересного».

Студия Ivo Tavares

Паблик-арт могут создавать не только профессиональные художники, но также все, кому не безразличен внешний вид своего города. В Португалии, например, в городе Agueda дизайнеры студии Ivo Tavares Studio украсили одну из улиц разноцветными зонтами.

Читайте нас у
Telegram

Жанр создания произведений искусства, предназначенных для размещения на улицах городов, принято называть паблик-артом, и спектр его чрезвычайно широк. Это могут быть и скульптуры, и инсталляции, и видеопроекции, и граффити, и даже перформансы. Как правило, произведения паблик-арта появляются с подачи и при финансовой поддержке городских властей, так что их количество на улицах мегаполисов напрямую зависит от открытости последних к экспериментам.

Пожалуй, наиболее продвинутыми в этом смысле могут считаться Нью-Йорк, Лондон, Берлин и Вена, где создание художественных объектов так или иначе заложено в бюджет любого нового масштабного строительства.

Завидное постоянство

В принципе объекты паблик-арта не создаются «на века». Однако некоторые из них оказываются настолько дороги публике, что остаются на своих местах на много лет, постепенно превращаясь в знаковые достопримечательности городов. Так, например, знаменитая зеркальная фасолина Аниша Капура - проект «Облачные врата», установленный в Чикаго, - по количеству туристических фотографий может сравниться со статуей Свободы, а скульптура Love Роберта Индианы дала название парку в Филадельфии и вызвала волну подражаний по всему миру.

Облака и водопады «Большого Яблока»

В Нью-Йорке произведения паблик-арта встречаются буквально повсюду - их так много, что в городе уже издано несколько путеводителей по произведениям современного уличного искусства. И это не предел: каждый год коллекцию пополняет несколько новых шедевров, к созданию которых привлекаются лучшие архитекторы и художники современности.

Так, например, в 2008 году в Нью-Йорке появились эффектно подсвеченные «Водопады» Олафура Элиассона. Принцип их действия довольно прост: вода льется с верхнего уровня сооружений, похожих на строительные леса, а туда подается с помощью насосов. Два водопада из четырех разместились возле манхеттенских пирсов, третий - возле одной из опор знаменитого Бруклинского моста, еще один - в нью-йоркской гавани.

В прошлом году гигантское облако «зависло» над островом Говернорс - дизайнер Джейсон Климоски создал его из скрепленных между собой 53780 пустых пластиковых бутылок.

Число 53780 выбрано не случайно: как утверждает автор проекта, именно такое количество пластикового мусора в среднем выбрасывается в Нью-Йорке всего за один час.

Инсталляция представляла собой большой павильон, куда посетители могут зайти и изнутри ощутить масштаб захламления наших городов.

А в следующем году знаменитый британец Томас Хезервик должен будет обнародовать свой проект для нового района Хадсон-ярдс, который возводится на месте бывшего железнодорожного сортировочного узла. Пока тематика творения Хезервика не разглашается, но известно, что общий бюджет на его создание составляет $75 миллионов, которые должны быть потрачены на саму работу и создание благоустроенного общественного пространства вокруг нее.

Косолапые послы

Не отстает от Нью-Йорка и Берлин - город, в котором забавные произведения современного искусства встречаются буквально везде. А вот если говорить об их тематике, то, в отличие от заокеанского коллеги, здесь есть безусловный лидер - медведь, символ немецкой столицы. Сегодня, кажется, не найти человека, который бы, побывав в Берлине, хотя бы раз не столкнулся лицом к лицу с ярко расписанным медведем, словно танцующим с поднятыми вверх лапами.

Всего таких мишек в городе около 150, а началось все в 2002 году, когда в Берлине прошла первая выставка United Buddy bears: расписанные художниками разных стран, медведи встали в круг перед знаменитым универмагом KaDeWe и взялись за руки, призывая мир к толерантности и терпимости.

С тех пор выставка побывала на всех пяти континентах, а «медвежий фонд» самого Берлина продолжает ежегодно пополняться.

Сегодня уже можно встретить медведей, раскрашенных в цвета и символы отдельных городов и даже корпорации. Кроме того, именно медведи Бадди превратились в глобальных послов Берлина - они стоят возле немецких посольств во всем мире, их дарят городам-побратимам.

Музеи атакуют

Одним из первых европейских городов, предоставившим художникам свои улицы для самореализации, стала Вена.

Начав «арт-вторжение» в знаменитом Музейном квартале, произведения искусства быстро перешагнули его границы, и сегодня их можно встретить как в центре города, так и в относительно удаленных от него районах.

В общей сложности в Вене насчитывается более 40 временных и постоянных паблик-арт-объектов, разбросанных по всему городу - от монументальных проектов «Мемориала австро-венгерским жертвам холокоста» Рэйчел Уайтред и «Паромщика» Тони Крэгга до современных медиаинсталляций.

«Архваяние»

Не отстает от австрийской столицы и Голландия: многочисленные произведения средового дизайна можно встретить практически в каждом городе этой страны.

Так, «архитектурная столица Европы» Роттердам украшен ими буквально на каждом шагу, а соседняя с ним Гаага ежегодно проводит летнюю выставку скульптур: творения современных ваятелей размещаются по обе стороны главных улиц города Lange и Korte Voorhout, а затем разъезжаются по различным паркам и набережным.

Английский юмор

Чрезвычайно щедры на современное искусство парки и улицы Лондона, а также его общественные пространства.

Например, рядом с Тауэрским мостом можно увидеть наполовину вкопанного в землю десятиметрового пловца, а в районе Парк-Лейн - необычный памятник в виде автомобиля, к которому тянется детская рука. Автомобиль, кстати, совсем не игрушечный - и внешне, и по пропорциям соответствует Fiat-500.

В районе Хедингтон акула врезается прямо в крышу жилого дома: по замыслу скульптора, эта композиция призвана напомнить о том, что нигде нельзя чувствовать себя в полной безопасности.

В июле 2013 года улице Мэлл перед зданием Британского совета была установлена «Белая лошадь» - точная копия жилой лошади по кличке Ривьера Ред, которую художник Марк Уоллингер отсканировал 3D-сканером и воссоздал в мраморе и полимере.

А открывшийся месяц назад новый терминал аэропорта Хитроу получил свою «визитную карточку» от скульптора Ричарда Уилсона, который создал для крупнейшего аэропорта Европы 78-метровую «Винтовую струю» из алюминия.

Изображения: blueofthesky.com, depompadour.mmm-tasty.ru, artincommon.net, jacindarussellart.blogspot.ru, wirednewyork.com, nycgo-uk.tumblr.com, germany-and-india.com, wikipedia, kielnhofer.at, telegraph.co.uk, won

• Темы:

В городской среде, ориентированное на неподготовленного зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством.

Специфика паблик-арта

Термин «паблик-арт» относится к произведениям искусства, которые были созданы специально для расположения и демонстрации в общественном месте, чаще всего под открытым небом. Старейшими примерами официально санкционированного паблик-арта, возможно, являются памятники, мемориалы и скульптуры. Паблик-арт не ограничен физическими объектами - для его создания используются танцы, процессии, уличный театр и даже поэзия.

Некоторые художники, работающие в этой области, пользуясь преимуществами открытого пространства, создают масштабные произведения. Среди работ, созданных за последние 30 лет и встретивших восхищение критики и публики, работы Роберта Смитсона , Христо, NONDA и Энтони Гормли , в которых произведение искусства вступало во взаимодействие с окружающей средой или встраивалось в неё. В 1960 году греческий художник NONDA создал интерактивную выставку под мостом, посвящённую поэту Франсуа Вийону . Паблик-арт обычно создаётся с разрешения и во взаимодействии с правительством или компанией, которая владеет или управляет местом. Некоторые правительства поощряют создание паблик-арта, например, с помощью финансовых механизмов.

Часто изображения художников на улицах города вызывают бурное негодование со стороны местных жителей.

Цитаты

В наше время Public Art включает в себя все: от приготовленной художниками еды и организации художниками прогулок в парках до текстов, напечатанных на коробках из-под молока и танцевальных выступлений среди грузовиков с мусором. Частично такое направление отражает перемены в самом искусстве. Многие считают, что Public Art должно провозглашать многогранность общества и отражать отсутствие согласованности во мнениях по вопросам ценностей и социального благополучия. Критики и художники полагают, что Public Art побуждает людей подвергать сомнению влияния структур и процессов принятия решения, которые определяют, каким образом должно быть использовано общественное пространство. «Критическое» паблик-арт-искусство такого рода обычно временное, провокационно, и создается для того, чтобы не сочетаться с окружающим пространством. Public Art всегда было, есть и, возможно, будет спорной территорией, потому что оно отражает реальные противоречия, внедренные в нашу общественную жизнь.

Элеонора Хартни, «City Art: New York’s Percent for the Art Program», 2005

Художники

• Энтони Гормли - британский скульптор. Своими статуями, размещёнными в открытых пространствах, прибегает к своего рода «урбанистической акупунктуре» (англ.), меняя эмоциональный контекст площадей и улиц, или даже (как в его проекте «Другое место ») морского побережья.
• Барбара Крюгер - американская художница; работает на грани между промышленной уличной рекламой , апроприируя её приёмы и технологии, с одной стороны, и личностно окрашенным высказыванием, как это бывает в самых остроумных образцах граффити) или в спонтанных выступлениях рок-групп на улицах городов.
• Джоэл Шапиро - американский скульптор, создающий в публичных пространствах «архитектоничных трансформеров», композиции из оживших архитектурных форм, вступающих в диалог с городскими постройками.

Паблик-арт в России

Примечания

См. также

Ссылки

Литература

• Аске Д., По К. Гиганты Флорентина Хоффмана.
• Богомяков В. Г., Чистякова М. Г. Паблик-арт в контексте идентичности // Вестник Тюменского государственного университета. 2014. № 10. Философия. 183-190
• Вейц М. Е. Проекты паблик-арт как диалог между художниками и горожанами (на примере проекта «Критическая масса») // The Journal of Social Policy Studies. - 2012-04-09. - Т. 10 , вып. 1 . - С. 95–108 . -

По каким законам существует паблик-арт - искусство в общественных пространствах? Почему искусству стало тесно в стенах музеев и галерей и оно начинает завоевывать улицы и бороться за внимание жителей больших городов?

Look At Me вспоминает художников, изменивших лица городов своими объектами, и главные скандалы с искусством на улице. А люди, благодаря которым паблик-арт стал появляться в России - художник и куратор Марина Звягинцева, промоутер Роман Мазуренко, искусствовед Екатерина Глоба и художник Антон Мейк - рассказывают, почему паблик-арта пока мало на наших улицах и зачем его нужно развивать.

• Что такое паблик-арт?
• 7 скандальных историй о демонтаже и исчезновении объектов паблик-арта с улиц
• 10 важных представителей жанра
• Паблик-арт в России: зачем он нужен обычным людям, которые не интересуются искусством, и почему его нужно развивать - в комментариях российских экспертов: художников, кураторов и искусствоведов.

Что такое паблик-арт?

Паблик-арт (public art) - это искусство в городской среде (на улицах, площадях, в транспорте, библиотеках, университетах и аэропортах), ориентированное на так называемого неподготовленного зрителя. П редшественниками паблик-арта можно считать памятники и мемориалы, хотя они в первую очередь не создавали вокруг себя творческое пространство, а служили для увековечивания образа знаменитого человека или события.

По-настоящему художественный захват города начался не со скульптур, а с перформансов в шестидесятые годы прошлого века. Венские акционисты выходили на улицы и бросали свое искусство практически в лицо тем, кто не хотел иметь с искусством ничего общего. Так, Вали Экспорт выгуливала на поводке куратора 4-й Московской биеннале Петера Вайбеля на улицах австрийской столицы: Вайбель, правда, был в костюме. Такая шоковая терапия изменила взгляды художников на потенциал городского пространства: на улицы потянулись те, кому стало тесно в стенах галерей, и в первую очередь их привлек реальный мир далеких от искусства людей со своим нерафинированным отношением к современным акциям и объектам.

Вехами в паблик-арте стали геометрические скульптуры американца Дэвида Смита и разрушения зданий Гордона Матта-Кларка. Звездный дуэт Христо Явашева и Жанны-Клод де Гийебон заставил весь мир переосмыслить роль и потенциал городского пространства: десятилетиями они занимались масштабной упаковкой объектов - от зданий до мостов и островов, что уже граничило с гигантоманией.

Выход искусства из инкубатора художественного музея на улицы стал необходимым шагом, сталкивающим мир художника с реальным миром городской социальной среды. Проекты паблик-арта - это отличная платформа для обсуждения горячих социальных вопросов, а его открытость и доступность делает паблик-арт по-настоящему демократичным видом искусства: чтобы посмотреть на работу художника, тебе не надо покупать билет и приобретать какое-то особенное настроение. Наоборот, чем больше искусство застает публику врасплох, тем лучше.

В настоящий момент паблик-арт существует в самых различных формах, в том числе в виде звуковых и медиаинсталляций, видеопроекций, перформансов, танцев и фотографии. Скульптуры до сих пор занимают значительное место в этом списке, однако их облик и роль далеки от традиционных. Помимо привычной бронзы художники используют сталь, стекло, пластик, хотя выбор материала по-настоящему ничем не ограничен. Если знаменитые люди и запечатлеваются в статуях, то скорее с большой долей иронии - предметами скульптуры чаще становятся абстрактные формы или повседневные вещи. Паблик-арт может появляться как « сверху», то есть с согласия и при содействии властей, так и « снизу», причем зачастую в нелегальном варианте. В западной практике паблик-арт часто развивается при прямой поддержке и финансировании властей.

Города, где больше всего развит паблик-арт

Плотность объектов паблик-арта напрямую зависит от открытости города к экспериментам и провокациям. Мегаполисы, имеющие славу столиц современного искусства - Нью-Йорк, Берлин, Лондон, Вена, Лос-Анджелес, - оказывают паблик-арту почти государственную поддержку. В некоторых странах действует закон, по которому архитектор новой общественной постройки должен выделить около 1% бюджета на спонсирование паблик-арт-объекта. Государство заинтересовывает художников так называемым public commission - своеобразным госзаказом художнику для создания объекта паблик-арт в определенной городской среде. Часто объекты паблик-арта становятся символами городов, в которых они размещаются, и из объектов превращаются в достопримечательность. Так, проект « Облачные врата» Аниша Капура, установленный в Чикаго, по количеству туристических фотографий может сравниться со статуей Свободы, а скульптура Роберта Индианы Love дала название целому парку в Филадельфии, в котором была установлена.

7 происшествий с паблик-артом

Работы художников паблик-арта представляют собой легкую мишень как для вандалов, так и для блюстителей художественной нравственности. Работы не только крадутся и разрушаются, но и переносятся или демонтируются «по многочисленным просьбам»: какие-то объекты кажутся слишком развратными, оскорбляющими чьи-то религиозные взгляды или на худой конец неудобными для жителей города. Хотя публичный резонанс может считаться почти желанным - без активного участия зрителей паблик-арт не был бы паблик-артом - и ставит художника в зависимость от мнения людей .

10 представителей паблик-арта

Косье ван Брюгген и Клас Олденбург

Coosje van Bruggen and Claes Oldenburg 

Творческий дуэт мужа и жены - художников-скульпторов Косье ван Брюгген и Класа Олденбурга - специализировался на гигантских скульптурах повседневных предметов: гнутой пуговицы, швейной иголки, бадминтонного воланчика, прищепки, мороженого или огрызка яблока. Голладка и швед, нашедшие свой дом в США, создали более сорока объектов паблик-арта: « Наше искусство предназначено для людей, и важно, чтобы людям нравилось то, что они видят». Хотя критики скептически относились к их союзу и часто превозносили более известную половину дуэта - короля поп-арта Олденбурга, пара не переставала подчеркивать совместную работу: вместе они создавали идею, Олденбург рисовал, а Брюгген выбирала цвета и контролировала создание скульптуры.

Деннис Оппенхайм

Dennis Oppenheim

Начинавший в области лэнд-арта, американский художник с русскими корнями Деннис Оппенхайм к концу своей жизни перенес свое творчество в городскую среду: « В студии меня никто не контролировал. Но когда я начал заниматься паблик-артом и оказался в публичном пространстве, то появились судьи, которые стали решать, быть моей работе или не быть». Оппенхайм часто обращался к сюрреализму и поп-арту, к архитектуре и скульптуре, за что в 2007 году на скульптурной биеннале в Ванкувере ему была присуждена премия за жизненные достижения. Самая известная и спорная работа художника - «Устройство для искоренения зла» - представляла собой модель пуританской церкви, установленная вверх ногами. Не менее радикальным был и проект «Синяя рубашка», который представлял собой гигантскую пластиковую рубашку, накинутую на автомобильную стоянку города Милуоки. Однако проект был приостановлен до начала его реализации.

Марк Дженкинс

Mark Jenkins

Еще один эксцентричный семейный дуэт, названный первыми именами Христо Явашева и Жанны-Клод де Гийебон. Рожденные в один день, но в разных странах (один в Болгарии, другая во французском Марокко) , они встретились в 1958 году в доме Жанны-Клод. Христо заказали портрет ее матери, а в 1961-м они уже создавали свой первый совместный проект. Вместе они упаковывали, покрывали и оборачивали различные здания, острова, деревья и мосты, самое известное из которых - здание Рейхстага в Берлине. Так, подготовка к «упаковке» Рейхстага длилась около двадцати лет - для этого понадобилось сто тысяч квадратных метров полипропиленовой ткани с алюминизированной поверхностью и пятнадцать километров голубой веревки. В одном из интервью Христо признался, что «художнику надо иметь большое мужество, чтобы создавать работы, которые вскоре разрушаются». Пара так дорожила своим творчеством, что всегда летала в разных самолетах, чтобы на случай крушения один из них смог продолжить работу. Также из-за боязни, что деньги других людей могут ограничить их творческую свободу, художники всегда сами спонсировали свои проекты.

Идея Инге

Inges Idee

« Идея Инге» - это идеи четырех художников из Германии: Ханса Хеммерта, Томаса Шмидта, Георга Зея и Акселя Либера. Действующая с 1992 года, группа художников использует в названии имя воображаемого персонажа Инге - собирательного женского образа, который представляет их совместную творческую концептуальную деятельность. Поэтому и физическое воплощение стоит на втором месте, а на первом - создание идеи, которая бы удачно использовала материал социального и городского контекста: « Необходимо быть в диалоге с местом, где собираешься устанавливать свой объект. В отличие от музея или галереи, которые как белый куб, без отсылок к чему-либо, городское пространство не статично и не находится вне времени - о но постоянно меняется». Основная задача группы - создать объект, который будет знаком и понятен каждому. В 2001 году группа разместила на территории морского училища гигантский игрушечный кораблик, в 2004-м подарила торговому центру в Дюссельдорфе настоящие украшения, а в 2010-м создала блестящий гибрид яйца и антенны для Датской вещательной корпорации.

Дженни Хольцер

Jenny Holzer

Американская художница Дженни Хольцер начинала с того, что анонимно развешивала на улицах плакаты с труизмами - собственными изречениями, похожими на пословицы: « Люди, сошедшие с ума, слишком чувствительны », « Гуманизм устарел», « Помни, у тебя всегда есть свобода выбора». Слова с тех пор остаются ее единственным материалом, однако в своих работах она использует различные художественные медиа: « Я стараюсь сделать людей меньшими скептиками, чем они есть. И чтобы у них появилось желание задуматься над тем, как надо реагировать на мои слова». Общественная среда - основное выставочное пространство ее работ, стены галерей редко могут уместить размах ее объектов. В 1990 году Хольцер стала первой женщиной-художником, представляющей США на Венецианской биеннале. Один из ее самых знаменитых проектов - это серия наружных проекций в разных городах мира. Здания, природа, мосты служат экраном ее фильма, состоящего только из слов, медленно ползущих вверх. Помимо этого Хольцер выполнила серию каменных скамеек с выгравированными текстами и муниципальные заказы для различных городов.

Том Клаасен

Tom Claasen

Все в Нидерландах знают работы художника Тома Клаасена. Это ему принадлежит семья слонов, обосновавшаяся на одном из местных шоссе, и две огромных сидячих железных скульптуры в аэропорту Амстердама. Голландский художник, живущий в Дании, для своих скульптур выбирает чаще всего звериные лики и формы. Его фирменным стилем считаются г игантские обтекаемые фигуры черного или белого цвета. Изготавливая их то из каучука, то из железа, Томас Клаасан создает невероятно милые, и в то же время немного устрашающие образы - безликие, молчаливые, аморфные. Особые материалы притягивают не только взгляд зрителя, но и рождают желание потрогать скульптуру - так, белых кроликов Клаасана хочется гладить.

Джини Вос

Giny Vos 

(1959)

Еще один голландский художник - Хенк Хофстра - занимается созданием крупномасштабных инсталляций на городских улицах. Классический портретист, Хофстра с помощью цвета (художник любит яркие цвета - голубой, красный, желтый - и не скупится на них в своих проектах) приковывает внимание зрителей, рассказывая про острые экологические проблемы. В одном из таких проектов - « Вода это жизнь» - Хофстра привлекает внимание к реке, которая когда-то протекала на месте городской улицы в его родном городе. Художник выкрасил километр дороги синей краской и «утопил» в этой реке пару машин и мусорных баков. А также сделал надпись « Water Is Life». Хофстра говорит: « Мой проект помог людям посмотреть на мир по-другому. Ведь раньше они и не задумывались, почему все дороги серые».

Паблик-арт в России: Зачем он нужен обычным людям, которые не интересуются искусством?

Кураторы и художники, связанные с паблик-артом, объясняют, зачем художники решают показывать искусство обывателям, как отличить сильный паблик-арт от слабого и что может изменить искусство, которому тесно в музеях.

Марина Звягинцева, художник, куратор спецпроектов ММСИ « Спальный район » (2009) для III Московской биеннале современного искусства и арт-проектов « Спальный район. Остановка Школа » (2010)

Работа в рамках проекта «Спальный район/ Южное Бутово»

Роман Мазуренко, директор специальных проектов на « Стрелке » , организатор проекта « Бистро 16 » совместно с арт-агентством The July 16

Паблик-арт проекты Bistro 16

Екатерина Глоба, искусствовед, галерея Pop/off/art.

Антон Мейк, художник, создатель карты веломаршрутов Москвы Use/Less, редактор сайта о городском искусстве Partizaning.org